别怕“别人讲过”，你可以讲得更好丨创意速览 本期创意速览中的案例，试图说明一件事：好的创意，即使面对同样的母题，也能翻出令人欣喜的花。 宜家围绕“家具”做文章，始终没有瓶颈；麦当劳再次证明了在帮助人类联想到薯条汉堡冰淇淋这件事上，他们的能力上不封顶；甲乙方那点儿相爱相杀的故事，总会有人共鸣；废弃空间的开发再利用，并非只有房地产公司才能想象…… 所以，别怕“别人已经讲过了”，你完全可以讲得更好。 宜家：最懂家具的还得是我 “没有人比宜家更清楚家里是生活是什么样”，讲到最新的campaign内容时，挪威宜家的营销传播经理Annika M?rch Asté如是说。 为了带出他们最新的slogan——“Made for life”——这个知名家居用品零售商再次以一个轻量的系列短片，向人们展示了他们举重若轻的能力。 这个系列共4支短片，《Hope（希望）》《Picky-eater（挑食的人）》《Awake（醒着）》以及《Morning（早晨）》，可以说几乎没有拍摄和后期技巧。属于给你一台摄像机，再浅学点儿字幕制作，你也能拍出来。 可是，也就是这“至简”之中，见出了品牌对生活的洞察力。 方寸空间里，简单的文字，线一样从一个物品到另一个物品，就牵连出了生活的千滋百味，镜头下短短的空间距离，却仿佛带你走了几年甚至几十年的人生之旅。 早早买好的婴儿座椅，甚至已经变成了置物架也没人去收起来。它像这个家里小小的希望的伏笔，等待着储物盒里那些帮助怀孕的药物来回应它的存在。当然，养育孩子也是个充满挑战的过程，费心费力费时费钱做的肉酱被掀翻在地，只是父母要经历的“磨难”中微不足道的一劫。 接下来，让我们越过辅导作业的鸡飞狗跳和青春期的冷战热战。成年后的女儿深夜不归，父亲知道一直打电话催促已不太合时宜，唯有冲上一大壶咖啡，在灯下等着那声令人心安的开门声响起，方能放心入睡。 最后，“我即使忘记全世界，但仍记得你的爱好”虽然已变成土得不能再土的互联网快销式恋爱桥段，可是我们还是会为每日清晨静静摆上桌面的那盏茶杯微微动容。 家之所以为家，就在当中的每个物品，在被买回来之后，就被你的生活打上了独一无二的钢印。 即使你知道世界上有成千上万个一模一样宜家出品的Mossmal茶杯，可是属于她的那个，仅此一个。你们一个喝咖啡，一个喝茶，共同度过的几十年光阴，共同看过的上万个清晨，仅此一生。 你看，生活，以及组成生活的那些小物品，怎么可能都只是普普通通的呢？ 麦当劳：万物皆可汉堡薯条，我才讲到第300种 在创造一切机会让消费者联想到自家产品这件事上，我还是最服麦当劳。且，他们从不“硬蹭”。 本月初，加拿大举办了卡加利牛仔节（Calgary Stampede）。赶上这样的热血盛典，怎能不好好刷刷存在感呢。 不管这个节庆看上去和汉堡薯条冰淇淋多不相关，麦当劳都能找到一个你不得不服的视角，让你看到麦门的无处不在。 你看牛仔鲜艳的红色衣服配上黄色流苏，像不像……那啥？（麦当劳挑眉。） 不用明说，你一定已经想来上一口了？ 再看这两个。 牛仔帽上的装饰带，配色上稍微靠近下肉饼、蔬菜和芝士的颜色，便能瞬间勾起巨无霸的联想。而纯白的衬衫褶皱，看在眼里，甜在舌尖。 这些海报，不仅是巧妙的“拟态”，也是麦当劳对当地农民和牧场主的致敬，有了他们的付出——辛勤种植土豆、蔬菜，饲养猪牛——才有了麦当劳的产品。 通过这系列平面作品，这家快餐巨头借着牛仔节，向当地人强调了他们的本地采购举措，突出了加拿大牛肉、奶制品和土豆在产品中的重要地位。 Canva： 甲乙方的故事，永远未完待续 “logo能再大点吗？现在的不够醒目。” “说不上来，但好像还差点意思。” ...... 如果你做过广告，或者有过乙方的工作经历，那么一定对这些场景不陌生。无论客户提出多么无厘头的要求，哪怕是五彩斑斓的黑，你也只能回复“好的收到”，然后绞尽脑汁给出不下十版方案以供选择。 Canva（可画）在伦敦滑铁卢车站推出系列户外广告，以幽默诙谐的方式述说着客户与代理商之间的“爱恨情仇”，顺便巧妙突出了Canva的各种功能。 其中一块广告牌将Canva的logo以超大字号放置在框架之外，用Brand Kit（品牌工具包）功能和轻描淡写的一句“还想放大logo吗？好像有点过头了哦”，不失礼貌地拒绝了对方logo调整的要求。 其余广告牌也对应着不同的创作通病，让相关从业者会心一笑。 比如，客户又想修改图片比例，那就用Magic Resize（魔法调整大小）工具迅速交差。 还有些客户喜欢贡献自己的创意，不用担心，Canva的拖拽功能可以轻松实现他的设计梦。就算要把自行车拖到画面上，也是小菜一碟。如果想看移除背景的效果，甚至连广告牌都可以一键抠掉。 这些广告放大了日常的创作版面，虽然表现方式略显夸张，但正是这种“同病相怜”的自嘲感，拉近了品牌与用户的距离。就像那张贴满矛盾意见的便利贴广告牌，即使没有明确指出Canva的协作功能，但各位创作者们，懂得都懂。 Tamburins：拿去抄，我又写了个体验式消费答案 Tamburins怕不是还背着韩国的旅游kpi吧？ 打造各种吸睛又具视觉冲击力的巨物装置展已是轻车熟路，而光是代言人的海报围挡和巨幅广告牌也能吸引人们驻足拍照，变身互联网热门现象。最近，品牌在首尔为夏日新系列BLUE HINOKI蓝桧木打造的快闪店，又再次成为近期往韩国旅游的人必要去打卡一番的“景点”。 无他，全因这次邀请到了2019年威尼斯双年展拿下金狮奖的歌剧作品《Sun & Sea (Marina)》。 作为夏日推出的新系列，BLUE HINOKI的设计灵感明显带着海洋沙滩的痕迹。这是最能直接启动人们夏日记忆的开关。而《Sun & Sea (Marina)》无疑能进一步以独特的艺术体验，强化产品和夏季的体感关联。 作为助立陶宛国家馆拿下当年最佳国家馆奖的作品，《Sun & Sea (Marina)》以极具创造力的方式，将表演搬到了真实的沙滩上——又或者说，他们将一片度假沙滩复制黏贴到了表演场馆中。 在2019年威尼斯双年展首次亮相的《Sun & Sea (Marina)》。 这部作品由立陶宛艺术家三人组 Rugil? Barzd?iukait?（导演）、Vaiva Grainyt?（文本）、Lina Lapelyt?（作曲）共同创作完成。除了利用20余吨沙子、发热吊灯等营造真实的沙滩感受外，这出歌剧最独特的地方，在于舞台和观众的关系。 观看这部作品，观众身处俯视位。用艺术家的话来说，透过“太阳的视角”，俯瞰沙滩上的芸芸众生们唱出自己的心声。口语化、碎片化的唱词中，渗透着人们对环境、工作、社会的焦虑，和休闲的沙滩独家场景间，形成一种奇妙的戏剧张力。 此外，虽说是“剧”，但剧情却不多，除了演唱外，演员们做的不过是人们寻常度假时会在沙滩上做的事，以求在模糊表演与现实界限的过程中，给观众更沉浸的观看感受。 这出歌剧自在威尼斯双年展亮相之后，便开始在全球范围内巡演，而这次落地Tamburins快闪店，算是其公开资料中可查到的，首次与品牌尝试跨界合作。 表演从6月21日持续到6月24日，在此期间，人们可以在快闪店中观赏这一独特的剧作。演出结束之后，用作表演的沙滩场景则将继续作为快闪店的一部分存在，供人们感受“落幕”之后的余韵。现场也会重新布置，在不同楼层展出一些沙雕作品，以另一种艺术形式，不断丰富人们对“海洋沙滩”的感知。 演出结束后，布景被留在现场继续展出。 《Sun & Sea (Marina)》无疑具备打造新鲜体验的先天优势。坐惯了观众席的大众，谁不想换个角度看一场听得懂的歌剧呢（没有说歌剧不好的意思哈）？ 这种独特的形式，恰好非常适合“嵌入”场景，与Tamburins快闪店的环境互相作用，既能成为品牌新系列产品最高光的艺术注脚，反过来，身处真实的消费场景，又何尝不是给这部反思当下社会与环境的作品，新添一重意义与思考呢？ The Solutions乐队： 开发商你等等，这片“旧改”我有想法 之前去香港铜锣湾，人流攒动中听到现场乐队的弹奏声，走近才发现是英皇旗下乐队在概念店的橱窗内演出。 虽隔窗相望，但与偌大的体育馆相比，感受明显不同。观众与艺人之间几乎没有隔阂，可以看到艺人细微的表情和肢体动作的变化，虽然有层玻璃挡着，但音效也没有大打折扣。 概念店名为“0 e:ffect Concept Store”，是英皇娱乐为年轻艺人和艺术家打造的限定文化空间。除了艺人周边零售，还会举办当地艺术展览以及街头演出和直播节目。我所见到的橱窗表演，就是规划之初就精心构想的亮点之一。 英皇希望通过打破传统演出的场地限制，带来更丰满的视听体验，放在铜锣湾这样人流密集的地段，也可以增加艺人的曝光度。 然而，这种“突破性”的演绎形式并非能提前预设，有时也会随性诞生。 前不久，韩国乐队The Solutions就在首尔的一栋废弃公寓楼办了场演出。这栋老式公寓建于1968年，历经半个多世纪的风雨，即将被拆除重建，目前住户已全部迁出，呈空置状态。 乐队趁机选取其中一个单元，在原有架构上稍加改造，将其变为了临时的摇滚舞台。 图源：ins@the_solutions 中低层的四扇窗户被拆除后，正好分别容纳四位乐手，演出所用的射灯就放置在单元门凸出的小平台和楼梯间，而观众席就是公寓前的空地。 图源：ins@the_solutions 不过，场地的选择并非只为吸引眼球，而是乐队概念的具象化呈现。 The Solutions乐队以“Future Punk”风格为特色，作品多融合朋克音乐的反叛自由气质和现代电子音乐的科技感、前卫感。这次在废弃的公寓楼上开演，就诠释了复古与未来的碰撞。对于观众而言，这也提供了一种更自由的体验，他们既可以任意在空地上涂鸦，也能挥舞旗帜、尖叫呐喊。 图源：ins@the_solutions 图源：ins@the_solutions 其实类似的旧改舞台，早在20多年前就出现过。 1999年，建筑师Luis de Longhi就将利马市政剧院改造成了《李尔王》的演出场地。剧院内部因火灾损毁，已空空如也， Longhi将计就计搭建了一条钢制斜坡，把观众席融入表演空间，为观众带来更沉浸式的观感。 东京的索尼公园（sony park）的思路同样是因地制宜。2017年，在逐层拆除原大楼后，索尼公司并未急于建造新的建筑，而是利用原址的地下四层和地上部分，打造出了个“慢闪”公园，承接了许多颇有实验性的业态和活动。 当一座建筑面临拆除时，它反而更具可能性和开放性。随着改造的不同进度，人们总是能创造出全新的空间形式。在这种过程中，静止的建筑也成为了向外表达的载体。 Yuri： 用剪刀创作的，不一定是剪纸 记得很小的时候学画画，素描老师常说：“橡皮也是铅笔。” 那时候想了许久才明白，“笔”其实可以是很多事物，它代表的是一种创作、增加、赋予意义的过程，而不局限于具象形态的笔。许多年后，氷室友里的纺织作品让我再次想起了这句话。 日本艺术家氷室友里（YURI HIMURO）创造出了一种可以互动的纺织品，这个系列叫做Snip Snap。她运用了一种特殊的纺织方法，使得作品共有两层纺织面料，当你拿剪刀剪开表层，就可以探索到底层的图案，同时创作出属于你的独一无二的艺术品。 Yuri从小就喜欢动手做东西，一直梦想成为一名产品设计师。在准备上大学时，她发现自己对具有手工质感的事物深深吸引，最终选择进入多摩美术大学主修纺织品设计。 在研究生期间，一次芬兰交换学习的机会改变了Yuri的设计轨迹。在那里，她不仅系统学习了提花编织技艺，更在拉普兰的极地之旅中获得了珍贵的人生体验——芬兰桑拿、驯鹿雪橇、极夜星光……这些充满北欧风情的记忆碎片，如今都化作她作品中独特的叙事元素。 “有很多人买过这个系列的，”Yuri分享道，“有想纪念孩子第一次用剪刀的父母，有每次光顾都会让顾客剪一下的咖啡馆老板，还有决定每年剪出一条隐藏鱼的女士。”这些出人意料的用法，让原本简单的剪裁布料焕发出超越设计者想象的生命力。 如今，Yuri将这种独特的创作理念拓展到更多生活场景：从实用背包到家居靠枕，再到墙面装饰画……每一件作品都超越了传统工艺品的定义，不再是单向的设计输出，而是通过使用者的参与和再创造，获得了持续生长的艺术生命。 有网友评论：“我会想买，但我不会用剪刀去剪，而是一直使用，让时间把丝线磨断，我想看时间会修剪出什么样的作品。”也是一种颇为诗意的做法。 设计总监/资深视觉设计 能通过创意设计完美传达品牌的核心理念，设计不仅要有视觉体验，更要与品牌故事和文化产生深度共鸣。 品牌经理/商业创意策划/活动策划 擅长给品牌整活儿，懂品牌叙事更懂消费市场的商业逻辑，最终能落地成一个个有意思的品牌案例。 岗位详情请浏览网站：www.topys.cn 简历投递请附带作品集，??hr@topys.cn ?? 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